No Passo de Caymmi - Por Giba Carvalho

O Grupo Casuarina está no mercado musical brasileiro há 13 anos e, após o lançamento comemorativo do “CD/DVD – 10 anos de Lapa”, os garotos cariocas emplacaram um trabalho de releituras da excelente obra de Dorival Caymmi. Só o fato de tal escolha já é de grande mérito, afinal, não é qualquer amontoado de “Zé Manés” que tem capacidade de pesquisar e desenvolver novos arranjos para tão grandiosa e profunda obra. O mar de Dorival Caymmi não é mar para marinheiros de primeira viagem, principalmente, porque possui gravações peculiares e imortalizadas pelo próprio compositor baiano.

O álbum é um compilado de canções lançadas entre 1939 e 1994, perfazendo um total de 16 faixas (muito embora possua 17 no disco) e uma vinheta levada apenas com dedos estalados e vocalizações, que é o que ocorre no samba “Maricotinha”. O que me deixa feliz com relação a grupos como o Casuarina é a evolução a cada novo lançamento. É perceptível o esforço dos rapazes para melhorar desde a qualidade vocal, aos belos arranjos desenvolvidos por João Fernando (Bandolim) e Daniel Montes (Violão 7 cordas).

No passo de Caymmi começa com uma versão vocal da tradicional “Suíte dos Pescadores”, onde fica claro o supracitado. Os rapazes trabalharam bem as vozes, mas, capricharam ainda mais ao harmonizá-las. “Você já foi a Bahia?” chega trazendo um molejo peculiar aos ritmos baianos mesclado com a ginga do samba carioca. “Peguei um ita no norte”, demonstra que o minimalismo do arranjo caiu como uma luva ao tom jocoso com o qual João Cavalcanti a interpreta (uma das minhas preferidas). “Saudade da Bahia” é um espetáculo à parte! Daniel Montes dá uma aula no arranjo desta canção e comove os ouvintes com seu Violão de 7 cordas. Inicia calma e depois o ritmo similar a uma marola toma conta do pedaço. “Dora”, inegavelmente, é uma das canções mais bonitas da carreira de Dorival Caymmi. Sua gravação original é belíssima e única e, por mais que o executado pelos garotos cariocas seja de muito valor, passa longe da gravação original. “É doce morrer no mar” possui os mesmos problemas da antecessora. A intensidade de Caymmi sobra no original e a ausência dela é completamente perceptível no trabalho do Casuarina. “O bem do mar”, que é um clássico supremo brasileiro, surge para por equilíbrio ao trabalho. Arranjo e voz, desta feita a de Gabriel Cavalcante, caminham lado a lado de modo especial. Sem sombra de dúvidas um dos destaques do disco.

O grupo Casuarina tem um trabalho próprio que, praticamente, foi todo concebido nas noites boêmias e de agitação na Lapa. Conforme dito pelos próprios integrantes, diferentemente do que é apresentado neste trabalho, eles costumam apresentar-se com uma formação maior e “da bagaceira”. Em duas canções do disco eles provaram do próprio veneno. “Lá vem a baiana” e “O que é que a baiana tem?” parecem ter sido vestidas unicamente com roupagem das músicas do repertório usual dos rapazes. Execuções corretas e de clima “festinha da night”, mas perdendo muito do charme original. Na sequência, encontramos a divertidíssima “Requebre que eu dou um doce”. A mesma inicia em ritmo cadenciado e explode num samba de roda de primeira. Percorrendo um caminho contrário a que a antecede, “João Valentão” entra em jogo partindo para cima e caindo num extraordinário clima melodioso. Para coroar tal arranjo, somos presenteados com um solo belíssimo de João Fernando e seu bandolim, ladeado pela execução pontual do 7 Cordas de Daniel. Uma riqueza! “Marina” e “Só louco” surgem para causar imenso diferencial. A primeira é um clássico da música brasileira e a segunda é de uma beleza cativante. As versões do Casuarina superam até mesmo as gravações originais, principalmente, no esmero com que os arranjos foram concebidos. Estes dois sambas-canção também são pontos altos do trabalho. “A vizinha do lado” possui uma versão bastante animada, no entanto, penso que o grupo poderia ter ousado um pouco mais em sua execução. A conhecidíssima “Maracangalha” aparece no final apenas para dar o tom de despedida.

Ainda que com certa oscilação em alguns pontos, considero “No passo de Caymmi” um dos bons trabalhos feitos ultimamente no Brasil. E como é bom percebermos o esforço do desenvolvimento de um grupo novo, com músicos que sabem executar bem seus instrumentos e utilizar bem suas vozes. Fica a dica!

Chasing Yesterday: Noel Gallagher´s High Flying Byrds - Por Fernando Lucchesi

Se há alguns atores que não conseguem se livrar do estigma de um papel, alguns músicos também não conseguem se livrar de alguns dos seus sucessos ou de sua antiga banda. Noel Gallagher bem que tentou no seu primeiro disco com seu novo projeto, o homônimo High Flying Byrds. O disco tinha canções ótimas e muito bem trabalhadas do ponto de vista de arranjos e melodias como “The Death of You and Me” e “Wrongbeach”. Após um hiato de pouco mais de três anos ele volta com o mesmo projeto e um novo disco, Chasing Yesterday. No entanto, basta ouvir a primeira música do álbum para percebermos de imediato que Noel Gallagher ainda não se livrou dos fantasmas do Oasis e de sua canção mais conhecida, “Wonderwal”.

“Riverman”, faixa de abertura, sintetiza todos esses fantasmas que ainda circundam o músico. Tem aquele mesmíssimo violão de "Wonderwall" sem possuir a maior virtude desta que é uma irresistível levada pop. É somente mais uma música que poderia estar em qualquer um dos piores discos do Oasis. Acrescente-se a isso um solo de guitarra completamente sem sentido e teremos um péssimo exemplo de música “inspirada” em outra. A falta de originalidade não se resume apenas à “Riverman”. “In The Heat of The Moment”, “The Dying of The Light”, “While The Songs Remains The Same” e “Ballad of The Mighty I” são faixas que parecem estar no disco apenas para acrescentar tempo. São enfadonhas e sem um pingo de originalidade nos arranjos, além de terem melodias pouco cativantes.

Os melhores momentos do disco estão na segunda metade. Há algumas faixas que merecem destaque. “The Mexican” com sua levada “stoneana” e um excelente riff talvez seja o ponto alto do disco. As melhores faixas do disco, na verdade, são aquelas em que o músico arrisca colocar as músicas mais aceleradas e levar mais para um lado rock n´roll.  Funcionam bem nesse sentido “Lock All The Doors” e “You Know We Can´t Go Back”. A exceção a essas faixas mais aceleradas é “The Right Stuff”, mais próxima de uma balada, mas com um ar soturno com trechos de sax e efeitos psicodélicos. O backing vocal de Joy Rose ajuda a ressaltar esse caráter psicodélico da música.

Se há um adjetivo para classificar Chasing Yesterday é mediano. Metade das faixas têm ótimos arranjos ou melodias e outra metade carece de um mínimo de inspiração. Tomara que num próximo álbum, Mr. Gallagher retome a inspiração do primeiro disco do High Flying Byrds.

Oscar 2015 - Por Fernando Lucchesi

Sempre houve e sempre haverá questionamentos quanto aos filmes indicados e vencedores do Oscar. Como em toda competição que premia filmes, o critério, na grande maioria dos casos, é amplamente subjetivo, o que dá margem para todo tipo de crítica. Já fui de acompanhar Oscar madrugada adentro, mas hoje em dia me conformo em assistir até onde meu sono aguentar e a paciência aguentar com os números musicais e discursos pra lá de enfadonhos (reconheço que com o passar do ano a cerimônia ficou mais dinâmica, mas ainda sim demora por demais). No entanto, é impossível escapar do “Evento” (com “E” maiúsculo mesmo) Oscar, pois toda mídia de entretenimento está com os holofotes voltados para a cerimônia. Esse ano resolvi que assistiria pelo menos todos os indicados para melhor filme e faria alguns comentários sobre eles. Vamos lá então!

Boyhood- Da infância à juventude – O diretor, Richard Linklater, optou por narrar a vida do garoto Mason (o talentosíssimo Ellar Coltrane), como entrega o subtítulo em português, da infância à juventude. Ao optar por utilizar o mesmo elenco demorou 12 anos pra poder concluir as filmagens. O filme dá saltos temporais na vida de Mason de forma que personagens secundários somem sem maiores explicações e novos personagens vão surgindo à medida que o personagem cresce. O que dá força dramática ao filme são os personagens com seus dilemas existenciais, angústias, insegurança, felicidade e toda sorte de emoções às quais nós, como seres humanos estamos sujeitos durante a vida. Destaque para o diálogo na cena em que Mason deixa a casa de sua mãe para começar a faculdade. Divide com Birdman o favoritismo para levar melhor filme. Possivelmente leva o Oscar de coadjuvante para Patricia Arquette (numa interpretação magnífica). Tem boas chances também no roteiro e direção para Linklater.

BIRDMAN ou A inesperada virtude da ignorância - A probabilidade dos roteiristas terem escrito o filme pensando exatamente em Michael Keaton é gigantesca (talvez eles já tenham confirmado isso, mas não li). Os personagens pelos quais tanto Keaton quanto seu alter ego no filme, Riggan Thomson, são marcados são super-heróis (Birdman e Batman). O ano em que atuaram pela última vez em seus papéis icônicos foi 1992. E Keaton, tal qual Riggan Thomson busca aclamação da crítica com um novo projeto (Riggan com uma peça na Broadway e Keaton com o próprio Birdman). A história gira em torno das dificuldades encontradas por Riggan para conseguir montar a peça “What We Talk About When We Talk About Love” do escritor americano Raymond Carver, já que além de ator ele também é o produtor da peça. Assim como em “A noite americana” de Truffaut, o filme mostra todas as dificuldades de se produzir arte (egos elevados, insegurança, medo constante do fracasso, etc.). Para fazer uma ironia ainda maior com o fato de Keaton/ Riggan serem marcados com super-heróis o diretor confere ao personagem alguns “superpoderes”. Com uma excelente fotografia em tons escurecidos tem amplas chances de ganhar. É favorito, junto com Boyhood, à estatueta de melhor filme e Keaton é o favorito para melhor ator.

O jogo da imitação - Baseado na vida do matemático Alan Turing, o filme resgata um período sombrio durante a segunda guerra mundial, no qual os alemães conquistavam várias capitais da Europa muito em virtude de uma máquina chamada ENIGMA, a qual todos os aliados tentavam decifrar para captar as mensagens germânicas e evitar ataques inesperados. Liderados por Turing (em ótima atuação de Cumberbatch), os mais respeitados matemáticos da Inglaterra tentam de todas as formas “quebrar” a criptografia da máquina. Aparentemente a história teria tudo para ser entediante, mas o roteiro de Graham Moore e a excelente edição de William Goldenberg dão ao filme o clima de tensão necessário para fazer do filme tanto um drama (que explora a vida de Turing) com um eficiente thriller de espionagem. Tem fortes chances no prêmio de edição e Cumberbatch corre por fora como ator, mas dificilmente ganhará.

A teoria de tudo – Apoiado numa excelente atuação de Eddie Redmayne como famoso físico Stephen Hawking, esse filme tenta ser uma cinebiografia de Hawking, mas é um melodrama dos mais chatos feitos nos últimos anos. É inquestionável que um personagem como Hawking, que teve uma vida realmente extraordinária, mereça uma cinebiografia, mas esse filme, absolutamente, não faz justiça ao “personagem” Hawking. O filme, literalmente, junta pedaços da vida do físico e explora ao máximo num tom cheio de auto-piedade a vida da família Hawking. Enfim, é o típico filme que a academia gosta, com uma história de superação das adversidades com uma atuação quase “espírita” do ator principal. Pelo que vi em alguns sites Eddie Redmayne tem boas chances como ator, mas o prêmio deve ficar com Michael Keaton (Birdman).  

Whiplash - Em busca da perfeição - Na busca por um lugar como um dos melhores bateristas do seu tempo, o jovem Andrew Neiman consegue uma vaga em uma das mais conceituadas escolas de música dos EUA. Lá encontrará um professor de métodos quase sádicos na busca por ser o descobridor do próximo grande músico de jazz. Com uma interpretação não mais que excepcional de J.K. Simms como o professor Fletcher, o filme tem os seus grandes momentos nos embates entre professor e aluno, cada um ao seu modo tentando extrair o melhor da bateria. O filme também pontua uma questão interessante: é preciso passar por uma espécie de “calvário musical” para se tornar um grande músico (mais especificamente de jazz, como é o caso do filme)? Barbada como ator coadjuvante, Simmons só perde se ocorreu uma lobotomização coletiva entre os membros da academia.

Sniper americano - Clint Eastwood é sem dúvida uma dos cineastas mais prolíficos em atividade. A média é de quase um filme por ano. Não é de se espantar que com uma quantidade absurda de filmes em tão pouco tempo a qualidade dos filmes caia. Foi o que aconteceu com esse filme. A história gira em torno do atirador de elite Chris Kyle (Bradley Cooper). Enviado para o Iraque após os ataques de 11/09 ele enfrenta diariamente dilemas como quem e quando deverá matar (incluindo crianças) e priorizar o exército/pátria em detrimento da família. O grande problema do filme é o roteiro, que ao intercalar os períodos “em casa” e “em campo de batalha” travam o filme de forma que nenhum deles engrena. Há também um tom ufanista demais no filme, mas nada que já não se tenha visto em outros filmes de Eastwood. O elenco tem atuações medianas. Não há realmente nenhum destaque. Acho que a academia sentiu falta de Eastwood nas últimas premiações e deu essa indicação só pra matar a saudade.

SELMA - O filme não é uma cinebiografia do líder negro Martin Luther King, mas sim captura um fato real ocorrido durante os anos de 1960, quando na cidade de Selma no Alabama, cidadãos negros eram proibidos de votar pelas autoridades locais, quando já havia uma lei federal que permitia o voto, embora fosse tão burocrática que impedia, na prática, o voto dos negros. Há uma tensão permanente mostrada nas conversas entre Luther King (David Oyetokunbo Oyelowo) e Lyndon Johnson (Tom Wilkinson). A tensão racial explode na primeira tentativa de fazer uma marcha entre Selma e Montgomery (distantes 75km). A cena do ataque das autoridades contra os negros desarmados é de um apuro visual único. Estranhamente, Tim Roth, que interpreta o governador do Alabama, George Wallace, não foi indicado a coadjuvante. Apesar do elenco muito bem entrosado deve sair de mãos vazias.

O GRANDE HOTEL BUDAPESTE – Ótimo trabalho do sempre talentoso Anderson. Narrado em grande parte por flashbacks pelo antigo carregador de malas do hotel e hoje dono dele (F. Murray Abraham), a história gira em torno do Grande Hotel Budapeste (fictício) e as dificuldades e para mantê-lo ativo até hoje. O filme é narrado num tom de aventura, cheio de reviravoltas e mostra toda a astúcia utilizada pelo gerente do hotel (Ralph Finnes) para proporcionar o melhor aos clientes mesmo em tempos de guerra. Dono de um apuro visual espetacular deve levar sem maiores dificuldades o prêmio de direção de arte. Tem grandes chances também em fotografia e edição, mas dificilmente levará os prêmios principais.

Meus favoritos:

Melhor filme: Boyhood

Melhor diretor: Richard Linklater (Boyhood)

Melhor ator: Benedict  Cumberbatch (O jogo da imitação)

Melhor atriz: Não tenho favorita, pois só vi uma das indicadas.

Melhor ator coadjuvante: J. K. Simmons (Whiplash)

Melhor atriz coadjuvante: Patricia Arquette (Boyhood)

Melhor roteiro: Birdman

Melhor roteiro adaptado: O jogo da imitação

E você? Tem algum favorito? Mande sua lista nos comentários do blog.

Variações em 5/4: Great Western Valkyrie

Na primeira coluna do ano, os editores do blog comentam Great Western Valkyrie, o último trabalho da banda californiana Rival Sons.

Boa leitura!

- Fernando Lucchesi:

O ano de 2014 trouxe duas grandes surpresas, uma de cada lado do Atlântico. Primeiro os ingleses do duo The Royal Blood, o qual foi objeto de análise por mim no blog e em segundo a banda californiana Rival Sons e o seu Great Wester Valkyrie. Ambas possuem uma gama de referências que têm sua base no Blues, embora não necessariamente fossem bandas de blues puro, mas que o usavam como mais um ingrediente. Outra característica comum a ambas é a capacidade de compor músicas pesadas sem esquecer a importância da melodia.

Em Great Wester Valkyrie, a banda utiliza como referência musical primeira o Led Zeppelin. Secret remete a How Many More Times com seu riff hipnótico conduzido pelo baixo e a voz cheia de efeitos vocais para lembrar o Plant dos primórdios do Zeppelin. Além de Open My Eyes ter sua abertura tirada descaradamente de When the Levee Breaks mais uma vez o vocalista, Jay Buchanan, soa por demais com Robert Plant. Embora o Led Zeppelin seja a mais notória referência há várias outras perceptíveis em outras faixas do disco como The Who em Belle Star e até mesmo Suzy Quatro em Play The Fool. O disco se mantém consistente até a faixa oito. As duas últimas músicas são as quase inevitáveis baladas que qualquer banda de rock insiste em colocar em seus discos. Ambas, Where I´ve Been e Destination On Course, têm ótimas melodia, no entanto, a banda as trata como épicos de seis ou mais minutos sem a menor necessidade. Excluindo esse pequeno deslize, não tenho dúvida em afirmar que o disco é um dos melhores lançamentos do ano de 2014.

- Giba Carvalho:

Great Western Valkyrie veio para firmar o Rival Sons no patamar de bandas relevantes da atualidade. Forjado em rock setentista, o quarto álbum dos californianos é um convite dos mais agradáveis e instigantes aos fãs do bom e velho rock n´roll. Vocês podem pensar – “Ah, isto soa datado!” É verdade! Afinal, todos sabemos que existem bandas que apenas copiam um determinado estilo e outras (cada vez mais raras), que utilizam os mesmos como base para desenvolver seu trabalho. Com letras contundentes e desempenho seguro dos músicos envolvidos, o quarteto impressiona exercendo todo seu glossário “old school”.

Neste novo álbum, encontramos doses cavalares daquilo que todo apreciador do estilo gostaria de encontrar: a “cozinha” robusta formada pelas baquetas furiosas de Mike Miley e as frases de contrabaixo do estreante David Beste. O espetacular Scott Holiday, guitarrista extremamente impetuoso, de riffs marcantes e solos lisérgicos. E Jay Buchanan, frontman que não possui receio de cantar. Um “monstro” da nova geração! No faixa a faixa, temos:

Eletric Man - que abre o disco explodindo com vigor! Um hard-rock clássico em potencial e elegância!

Good Luck – é a música onde o RS sai um pouco do rock setentista e viaja a fase antecessora a ele. Com uma verdadeira aula de canto de Jay Buchanan e ritmo espetacular. Este é um rock n´roll em sua mais pura concepção.

Secret – lembrando bastante a época áurea do Deep Purple. Vocais explosivos, rasgados e muitíssimo bem-postados. E uma performance avassaladora de Mike Miley nas baquetas. Uma pedrada para nossos ouvidos!

Play the Fool – esta é a música do disco onde os instrumentos reinam. A junção entre os riffs espetaculares de Holiday e a versatilidade Miley são um espetáculo a parte. Arrisco até afirmar que pode ser considerado um tributo a John Bonham, dada a quantidade de variações e vigor na execução.

Good Things – é onde o estreante da banda mais aparece. David Beste guia a primeira canção não-usual do álbum, marcando com seu contrabaixo. Neste caminho, ele é ladeado por um Hammond e pela variedade “infindável” de frases de Holiday e sua Gibson Firebird.

Open My Eyes – 98% dos ouvintes dirão: “parece com o Led Zeppelin.” Eu digo – “pode até parecer, mas parece mais com Audioslave.” Bateria marcada, riff garage pegajoso, vocal sem nenhuma modéstia. Isto já resumiria bem esta canção, não faltasse um detalhe. É nela que encontramos o melhor solo do espetacular Scott Holiday.

Rich and The Poor – imagine uma pausa para respirar. É exatamente isto que pensei em todas as audições do disco. Mas, não pense você, que estamos falando de um momento menor. A banda entra no primeiro momento sombrio do disco. Guitarra pesada, acompanhada de execução psicodélica de teclado e o restante do conjunto (voz, baixo e bateria) tecendo frases em cima desta cama.

Belle Starr – esta foi a canção onde mais identifiquei a “presença” Zepelliniana. Notadamente, mais parecida com a fase do álbum “Presence”. Inicia exuberante, acelerada, furiosa e, repentinamente, mergulha nas nuances de um céu giz. E o ciclo é formado nas idas e vindas desta performance grandiosa da tríade – bateria, voz e guitarra.

Where I´ve Been – senhoras e senhores, estamos falando de um Blues! Consequentemente, a dupla Holiday e Buchanan volta à supremacia. Primeiro, pelo destaque das linhas de guitarras presentes em todos os espaços da gravação e, segundo, por todas as variáveis apresentadas por Jay.

Destination on Course – Intensidade! Para finalizar um grande disco, nada mais justo do que uma execução épica. São 7 minutos de uma composição mais lenta que trás a tona toda criatividade do quarteto. Além disto, é nesta canção, que encontramos um trabalho de voz oriundo de um coral feminino, que causa mistério e nos remete ao canto das “Valquírias” num campo de batalha e presente no nome do disco.

De acordo com a mitologia nórdica, as “Valquírias” eram belas mulheres loiras que, montadas nos seus corcéis alados, escolheriam os guerreiros para vida e morte. Os que fossem escolhidos teriam o direito de entrar em Valhala (a morada de Odin). E, voltando para o ramo musical, tenho certeza de que elas escolheram o quarteto estadunidense. Não estou falando de um álbum comum. Estou falando do melhor disco de rock n´roll de 2014.

Se você quer ouvir uma banda que possui as melhores referências, que procura renovar-se, que experimenta e tem tesão em tocar, estás no caminho certo!

- Rógeres Bessoni:

Que alívio e que injeção de combustível nas veias saber que o rock and roll ainda reverbera na face da terra! Eu ainda estou agradecidamente sem palavras para o trabalho do Rival Sons – notadamente, seu álbum mais recente, GREAT WESTERN VALKYRIE, o quarteto da banda e ao qual se dedica esta coluna. Porque é muito bom ouvir um trabalho novo trazendo de volta à tona o rock and roll velho e bom. Uma banda surgida após o ano 2000 que finalmente não soa como uma ressaca do grunge nem uma tentativa de fazer “hip hop and roll”. Não. Até que emfim, rock and roll visceral novinho em folha. Já tomei umas cervejas pra comemorar, mas ainda merece outras. Isso por muitos motivos, mas, sobretudo, por uma coisa fantástica de se ver e de se passar para as novas gerações, criadas em apartamento, tomando toddynho e comendo pera com leite: Great Western Valkyre é uma enciclopédia de rock and roll, meus caros. Um apanhado fantástico que mostra uma maturidade ímpar em bandas da atualidade. Nada de sons histéricos de adolescentes quarentões dando “piti” no palco, nada de melodramas pseudo-engajados, nada de saudosismo estéril, fazendo covers de músicas já executadas 45 bilhões de vezes no planeta. Nada disso. Os caras conseguiram encher o matulão com toda a substância do que houve de melhor em 50 anos de rock e CRIARAM a partir disso. O disco é realmente autoral e apresenta toda essa bagagem em uma característica genial: o trânsito por praticamente todos os estilos do rock – excetuando o universo do metal. Está tudo lá, do psicodelismo californiano até o hard rock; do blues pesado ao progressivo. O som dos caras mostra uma banda realmente adulta, que ouviu muito rock and roll, assimilou tudo E SOUBE O QUE FAZER com toda essa informação. Em alguns momentos, há trechos que se aproximam demais de canções conhecidas, mas eu, particularmente, não vi nenhuma “ameaça” de plágio ou sequer imitação. Ouvi foi referências sólidas e embasadas, mesmo, em que os caras demonstram que sabem o que ouviram e sabem o que estão fazendo. Um rápido passeio pelas faixas do álbum nos leva por esse banquete gordo, e assim começamos, ressaltando os principais traços, assim como saltaram aos meus ouvidos. Deixo claro que não pretendo fazer uma radiografia detalhada e “exata” das músicas; vou falar como se conhecesse a formação musical dos integrantes da banda (coisa que não conheço), mas apenas como recurso literário pra indicar, numa primeira vista, a que estilos para os quais as canções me levaram e tudo o que entendi como material processado e recriado, e aqui vai:

1 – Em Eletric Man temos de cara uma porrada de levada totalmente zeppeliniana, no melhor estilo Nobody's Fault but Mine” e The Ocean, com Jay Buchanan soltando o berro com um swing chegado a Robert Plant, mas também com a pegada feroz de Ian Guilan;

2 - Good Luck nos traz uma introdução e refrão com o balanço dos Stones, pra descansar e uma linha melódica macia, mais suave, com textura, pra mim, dos domínios de David Bowie;

3 - Secret, uma das mais fuderosas pra mim, traz uma mistura perfeita, perfeita, de Canned Heat e The Doors, num blues psicodélico pesado, com a inesquecível e irresistível levada anos 60, vocais furiosos, na medida certa entre Bob “The Bear” Hit e Jim Morrison, guitarra e baixo unidos num riff detonador, à la Roadhouse Blues e um solo totalmente digno da apresentação do Canned Heat no Woodstock;

4 - Play the Fool, com um riffs simples que gruda na cabeça, reúne uma gama de sons típicos do fim dos anos 70 e começo dos 80, se aproximando do punk em alguns momentos, e, em outros, do pop rock mais juvenil do começo dos anos 80;

5 - Good Things, outro ponto alto do disco pra mim, volta à batida da transição dos 60 para os 70, com arranjos de teclados mais uma vez lembrando The Doors, e os vocais, pontuados com a guitarra, ficam bem próximos de Alvin Lee e da vibe Ten Years After;

6 - Open My Eyes, começando com uma batida também zeppeliniana, com Mike Miley trazendo a sonoridade de “When the levee breaks” à tona, apresenta ainda um riff com todo o traçado de Tom Morello, fazendo a música explodir no melhor estilo Audioslave;

7 - Rich and the Poor (talvez a minha preferida), com uma melodia séria, meio down, uma levada firme, vocais com eco e a guitarra, também com eco nos arranjos (além de suas características melódicas), nos jogam de volta às referências sessentistas. Mesmo numa voz masculina, é das veia interpretativa e dos traços melódicos que falo: várias vezes me pareceu ouvir Grace Slick! Um Jefferson Airplane mais pesado, com as possibilidades tecnológicas de hoje, mas com a mesma vibe do começo do psicodelismo californiano. Levei com isso uma porrada, fiquei aturdido e atônito: é mais que uma joia rara esses sons voltarem a explodir, com todo vigor, em um trabalho autoral, em pleno ano 2014!

8 – Ainda no fim dos anos 60, Belle Star não só continua trazendo elementos do rock psicodélico como, mais uma vez, trouxe outra grande surpresa. No trecho mais lento, até o Fairport Convention parece ser lembrado;

9 - Where I've Been, com andamento de blues e linha melódica mais country, revive momentos do The Eagles e da tradição das grandes baladas do gênero;

10 – E, para terminar um grande álbum numa obra vigorosa, apropriadamente um grande final, os caras, depois disso tudo, entram numa súbita e competentíssima viagem progressiva! Aqui, Buchanan se supera. Os vocais, num tom cinzento e melancólico, vão às raias de Peter Hammil, e não apenas. À grandiosidade da interpretação vocal, se segue a das melodias de guitarra, crescendo com vigor até desaguar num momento “Echoes”, mostrando direitinho o que Scott Holliday aprendeu com Gilmour.

E isso são apenas as minhas primeiras impressões. Caberia uma análise para a performance de cada integrante, assim como uma viajada pelas letras, mas não é o objetivo e nem o espaço para tanto. As associações que fiz foram totalmente livres e quero deixar assim, em aberto, para que cada um faça as suas. Mas fica, sobretudo, a dica para que curtam esse trabalho raro no mundo rock contemporâneo. Como falei, numa boa, vou abrir outra cerveja e degustar esse alento.

- Bruno Vitorino:

O rock ‘n roll está em crise. Parece clichê, não? E, de fato, é! Admito o lugar comum de minha sentença, mas o que é o rock hoje senão uma mescla de um amontoado de obviedades embaladas pelo discurso do “novo”, velhas referências musicais datadas e explosões mercadológicas de efemeridade inútil? Vemos, meus caros, aos montes bandas que se valem dessa tríade do conformismo estético para se apresentar diante de um público inocente que ainda acredita no caráter redentor do rock ‘n roll e o enxerga vivo e producente. Isso para não falar dos “dinossauros” fossilizados pela mesmice que, há muito desprovidos de suas fontes criativas, circulam o mundo requentando repertório, brindando assim a humanidade com o tão precioso culto ao espetáculo.

Nesse sentido, parece-me cada vez mais clara uma espécie de dicotomia patológica que assola o gênero em nosso tempo: por um lado, deparamo-nos com inúmeras bandas adolescentes que pululam no mainstream com seu rock à High School Music com sua rebeldia de shopping center e letras vazias sobre os dilemas da adolescência contemporânea – namoricos, redes sociais, carência afetiva e aquele desejo enorme de chamar a atenção para si; do outro, encontramo-nos com as incontáveis “viúvas de Woodstock” que tentam emular, do figurino ao discurso, passando pelo jeito de empunhar os instrumentos, até finalmente chegar à sonoridade da banda, aquela atmosfera perdida do rock clássico dos anos 1960/70. Em ambos os casos, o resultado musical é idêntico: o desnecessário. Contudo (e sei que isso pode me levar a ser mal compreendido), pelo menos com os adolescentes temos alguma verdade, pois, sem perceber, sua música denuncia a grande alienação que se apoderou do ideário de uma juventude inteiramente desvinculada de sua realidade, ou seja, a sua música, verdadeiramente, diz nada sobre lugar algum. “E isso é bom desde quando?”, vocês se perguntam. Claro que não o é!, mas é exatamente isso que estamos vivendo agora: o completo esvaziamento das manifestações humanas de suas dimensões Culturais em prol do modismo transitório. As bandas juvenis ao estetizarem essa perspectiva, pelo menos, tornam-na um testemunho inconteste de seu tempo, ainda que sombrio. Já os saudosistas, ao simplesmente se embrenhar no passado, nada o fazem além de rescender a mofo. E é justamente nessa segunda categoria que a banda californiana Rival Sons se enquadra.

Por essas razões, poderia resumir brevemente Great Western Valkyrie, último trabalho do quarteto, dessa forma: uma base sonora formada pela justaposição de Jefferson Airplaine, Ten Years After e The Yardbirds, que recebe uma estrutura musical inteira e descaradamente copiada do Led Zeppelin, finalizada com figuras decorativas extraídas de Pink Floyd e, quem sabe, também do Moody Blues. Electric Man e, especialmente, Secret, com seu riff sugado de How Many More Times do Zeppelin, e Open My Eyes, que parece ter nascido do solfejo de Robert Plant no meio de The Ocean, são ótimos exemplos dessa miscelânea artificial que, mais do que reverenciar as tradições do rock e consagrar-se panegírico, expõem o elevado desgaste do estilo em nossos dias. Os bons momentos do disco ficam por conta de Play The Fool e sua inesperada mudança de andamento que dá o clima perfeito para o solo da guitarra e a balada Good Things; justamente, vale ressaltar, as canções em que a banda não se ocupa tanto em imitar o Zeppelin e reviver o passado, valendo-se das raízes do rock enquanto ponto de partida e não no fim em si. Imagino que se a Rival Sons tivesse feito isso ao longo do disco - obviamente levando em consideração também suas  qualidades enquanto instrumentistas -, este teria sido bem mais interessante. 

De resto, parafraseando Fernando Pessoa, como "estou farto de embusteiros", diria que é um disco para ser ouvido com parcimônia da lucidez, sem o ouvido deslumbrado e impressionável da carência musical.

- André Maranhão:

Great Western Valkyrie é um bom disco. Não é um álbum concentrado em um só artista. Toda a banda parece bastante entrosada e nenhum instrumento monopoliza faixas. Jay Buchanan (vocal); Scott Holiday (guitarra); Dave Beste (baixo); Michael Miley (bateria) – todos estão bem no mais novo projeto dos Rival Sons. Logo de cara, a escolha de Electric Man e Good Luck para abrirem o disco foi muito feliz. Na primeira, há um rock incisivo, com personalidade; enquanto a segunda é uma balada animada, repleta de drives, solos legais e com um refrão daqueles que grudam. Play the Fool traz uma conversão de ritmos entre 1’50’’ e 2’42’’ sensacional. Good Things me remeteu a canções legais dos anos 1960 com a presença de Ikey Owens frente aos teclados. Em Where I’ve Been, muita coisa boa da música norte-americana parece estar condensada na faixa: Blues, Rock, Country, Gospel, Rhythm and Blues... Os teclados reaparecem bem encaixados, dessa vez através de Mike Webb.

Há outras canções que não chamaram tanto minha atenção: Secret; Open My Eyes; Rich and The Poor; Belle Star e Destination On Course. Os motivos variam: ou pelo vocalista exagerar nos gritos, ou pelas faixas soarem longas, ou simplesmente pelas linhas melódicas e harmonias não me empolgarem. Apesar de estas cinco faixas corresponderem a 50% do disco, ainda assim, insisto em considerar a boa qualidade de Great Western Valkyrie, visto que os outros 50% que me chamaram a atenção compensam por demais!

Everything Will Be Alright in the End - Por Giba Carvalho

Desculpem, pessoal, não percebi que precisava tanto de vocês

Eu achei que conseguiria atingir um novo público

Esqueci que música disco é um saco

Acabei sem ninguém e comecei a me sentir mal

Talvez eu deva tocar a guitarra solo

E Pat tocar bateria

Me leve de volta, de volta para a cabana

De volta para a Stratocaster com correia de raio

Chutar a porta, mais hardcore

Fazendo rock como se fosse 1994

É com este pedido de desculpas aos fãs, que o Weezer ressurge após 13 anos de experiências de irrelevância absoluta com sua própria música. Obviamente que não podemos esperar um “milagre” dos “rock-nerds”, mas “Everything Will Be Alright in the End” traz o grupo de volta aos bons discos. E isto é de suma importância num mundo onde as famigeradas “playlists” e os “singles” reinam em absoluto.

Parecendo compreender o rumo que a carreira da banda estava tomando, Rivers Cuomo (líder, guitarrista e principal compositor da banda) não poupou nomes em parceria para o processo de composição do novo trabalho. E, por mais que estes nomes soem estranhos para os fãs de qualquer vertente rock, o resultado foi bastante satisfatório. Em “Back to the Shack” (primeiro single do álbum) temos a mão de Jacob Kasher, parceiro de Kylie Minogue. É logo no primeiro single do disco que percebemos claramente que os bons tempos voltaram. Guitarras pesadas e marcadas relembram o “Green Album” (2001) e temos a explicação: o novo trabalho é produzido por Ric Ocasek que trabalhou com o Weezer no álbum supracitado e no “Blue Album” (1994). Parceiro de artistas deletérios tais como – t.A.t.U, Demi Lovato e Paris Hilton (existem adjetivos mais apropriados do que artista para defini-la), Josh Alexander aparece em duas canções do disco – “Lonely Girl” – que é praticamente uma volta ao início do grupo (mais do mesmo) e “Da Vinci” – que possui um arranjo extremamente confuso, muito embora grude “terrivelmente” na cabeça.

Dando continuidade as parcerias, faço uma pergunta aos leitores do blog: “alguém lembra aqui daquela banda pavorosa de ‘metal arriação’ chamada The Darkness?” Pois bem, a música que tem tudo para cair nas graças do público é – “I´ve Had It Up to Here”, justamente a parceria com Justin Hawkins, vocalista e guitarrista deste falecido grupo. Esta canção traz novamente à tona a competência que o Weezer possui de mesclar aquele rock “farofinha” com indie pop “algodão doce”. Na busca por diversificação ou inspiração em outrora, encontramos mais duas parcerias de qualidade neste trabalho. “Go Away” que foi composta e cantada por Bethany Cosentino do duo californiano - Best Coast, é o clássico indie pop de qualidade, com nível de sacarose elevado e sem firulinhas. Além do pop vigoroso de “Eulogy for a Rock Band” (a minha preferida) em parceria com a banda OZMA.

O lado compositor solitário de Cuomo também foi explorado. “Ain´t Got Nobody”, que abre o disco, inicia misteriosa, contida e termina numa explosão imensa (nada de novo se analisarmos vários outros álbuns lançados no decorrer de 2014), “Foolish Father” que é o acerto de contas entre o vocalista e o pai e a trilogia final – “The Waste Land”, “Anonymous” e “Return to Ithaka”. Esta, não passa de uma “chupação” bastante usual que várias bandas contemporâneas andam fazendo. Juntam três músicas instrumentais (com raros momentos cantados) como se as mesmas fossem movimentos de um Concerto de Música Clássica e proporcionam aos fãs orgasmos múltiplos com tais “brincadeiras” pseudo-eruditas.

O Weezer, quando estava no auge, sempre foi uma banda de segundo escalão, mas, pelo momento vivido pelo rock mundial, temos que vangloriar e apoiar todo trabalho novo de valia. “Everything Will Be Alright in the End”  é um álbum coeso, rico em melodias simples (marca registrada da banda) e merece destaque dentre os lançamentos de 2014 mesmo mostrando um Rivers Cuomo levando a banda praticamente só.

Ninguém Sai Vivo Daqui - Por Fernando Lucchesi

Após longos 33 anos, finalmente é lançado no Brasil o livro “Ninguém sai vivo daqui” (do original “No one here gets out alive) de Jerry Hopkins e Danny Sugerman. O livro foi um best seller quando lançado nos Estados Unidos e lançou luz  sobre a carreira e as  circunstâncias da morte do frontman do The Doors,  Jim Morrison (fato, até hoje, cheio de dúvidas a respeito do que realmente ocorreu). Os autores buscaram depoimentos com todos aqueles que tiveram convivência direta com Morrison, inclusive sua mãe e seu irmão. O “inclusive” surge, pois sabe-se que o vocalista respondia em diversas entrevistas, quando questionado sobre seus pais, que seus genitores haviam morrido.

Boa parte da infância/adolescência do até então desconhecido James Douglas Morrison é narrada nos primeiros capítulos do livro. Desde os primeiros amores, as suas influências literárias até suas passagens pelas Universidades nunca concluídas (entre elas uma de cinema, uma das maiores paixões do cantor). As influências literárias são de extrema importância para a narrativa, pois mais à frente veremos o porquê da origem de muitas das letras da banda.

O livro, como toda biografia honesta deveria ser, procura retirar o biografado do pedestal de “Deus do Rock” e colocá-lo como um ser humano falível, com momentos de “Dr. Jekyll e Mr. Hyde”. Um Morrison carinhoso e ao mesmo tempo perverso com amigos, familiares e seus “conhecidos” (pessoas que orbitavam ao seu redor procurando usufruir de sua fama e dinheiro). Nesse aspecto, os autores não poupam o biografado. Há inúmeros relatos de bebedeiras, consumo de drogas (que para uma figura repleta de excessos, como Morrison, até que é moderado), discussões, confusões em shows envolvendo polícia, fãs e produtores.  O que mais chama a atenção nesse ponto do livro é o relacionamento quase mortal entre Jim e a bebida. Fácil perceber que grande parte da personalidade de Morrison estava diretamente atrelada ao quanto ele consumia de álcool - e quando falo “consumia” não significa uma noite de bebedeira. Ele era capaz de sumir por dias para, por exemplo, levar amigos até a fronteira com o México somente com o intuito de beber. A bebida ajudava Morrison a ser aquele cara ”cool”, que ele na verdade nunca foi. Ele era um sujeito extremamente inseguro e tímido, e a bebida era uma forte aliada dele para lidar com as pressões e exigências do estrelato.

Outro aspecto muito bem enfatizado, de maior relevância até, se refere às letras e músicas produzidas pelos Doors, sua origens e influências musicais.  O livro detalha a produção de cada álbum, como as músicas escolhidas para serem lançadas como single. No entanto, a melhor parte do livro está reservada para os shows e as turnês do grupo. São notórios os shows feitos pela banda em que Jim mal conseguia lembrar as letras ou prolongava a música por intermináveis minutos. Grande parte desse tema dos shows é dedicada à fatídica apresentação realizada em Miami, na qual Morrison foi acusado de conduta pública lasciva por simular felação com o guitarrista da banda. Foi perseguido implacavelmente por um juiz e um promotor que buscavam os holofotes. O processo oriundo dessa apresentação pôs em grande risco a continuidade dos Doors e pela primeira vez deixou o vocalista preocupado com a possibilidade de ir para cadeia. O que mais chama atenção nesse trecho do livro é a informação de que o grupo fez alguns shows no México (desconhecia completamente essa informação) e que a turnê europeia da banda foi extremamente bem sucedida tanto em termos de dinheiro como de performance de palco

O livro acompanha a carreira do cantor até seus últimos dias em Paris, quando morreu, supostamente, de um ataque cardíaco. Não se sabe ao certo se súbito ou causado por alguma substância. Não seria exagero dizer que o livro, juntamente com o filme, lançado onze anos depois, ajudaram a forjar um mito dionisíaco em torno da persona  de Morrison.

A sensação que tive após a leitura do livro foi perfeitamente captada por Jerry Hopkins no epílogo do livro: “Devo acrescentar, como uma nota de rodapé, que quando terminei de escrever os primeiros esboços do livro, não estava gostando de Jim Morrison tanto como gostava quando comecei”.  

P.S: Dizer que o livro é espetacular, seria redundância, mas se você quer ver um Morrison colocado como qualquer um de nós, não recomendo a leitura do prefácio de Danny Sugerman. Há uma louvação um tanto quanto desnecessária ao biografado. Deixe para ler depois de terminado o livro e veja se mesmo assim você concorda com o que Sugerman escreveu.

Chaka Nights - por Fernando Lucchesi

Ao buscar referências sobre o disco “Chaka Nights” do músico pernambucano Ricardo Chacon pela internet, a palavra que certamente mais irá aparecer é indie rock. É bem verdade que aquelas guitarras típicas do indie rock estão em várias das músicas, mas seria simplificar demais as influências que o músico optou por colocar em seu trabalho solo de estreia. O já mencionado estilo indie, psicodelia, rock n’roll e até mesmo reggae estão no caldeirão de influências do músico.

A sonoridade do disco está influenciada por uma fase de pop/psicodelia do final dos anos 1960/1970. A bela introdução de “Não sei lidar”, primeira faixa do álbum, serve como um cartão de visitas. Parece que estamos ouvindo uma faixa do clássico de Ronnie Von de 1967. As guitarras e as melodias comprovam isso. Já “Mil razões”, a melhor faixa do disco, revela a face roqueira do músico: riff extremamente “pegajoso”, melodia acelerada e vocais em segundo plano, algo próximo do Black Rebel Motorcycle Club em seus melhores dias. Ela, juntamente com “Nonsense”, é a que mais se aproximam do rótulo genérico de indie.  “Nonsense” traz a típica guitarra indie e tem seu alicerce no som produzido por bandas como Placebo e Sonic Youth (este em uma fase mais “leve”).

"While in a great Sunshine” parece simplesmente uma faixa de transição para a outra parte do disco recheado de uma sonoridade que remete a um som de influência regional. E é essa parte que apresenta maiores problemas. As referências são meio óbvias e as músicas soam muito parecidas com as de outras bandas locais. Pode-se até falar em uma certa falta de ousadia. “Telefonar” e “Só meu amigo”, por exemplo, poderiam estar em algum disco do Mombojó facilmente. O ponto positivo dessas duas faixas é que o músico não abre mão das guitarras psicodélicas. “A casa e a praia”, um reagge com arranjos de metais, remete a uma sonoridade que poderia ser confundida com algo do Eddie.         

Problemas à parte, a estreia de Chacon nos permite vislumbrar um futuro promissor para o músico desde que enverede pela sonoridade psicodélica, pois é ali onde está o ponto forte do autor: composições inspiradas, melodias intensas e uma guitarra despretensiosa, porém, eficiente. Depende dele, parafraseando o título de umas das músicas, resistir ao teste do tempo. Talento para isso ele provou que tem.